Valy: Der da, der die Könige krönt. Malerei, 140 auf 100 cm, 2009
Im Vorfeld zur Eröffnung der Ausstellung „Valy — Kunst DurchLeben“, die am 1. Dezember 2015 eröffnet wird, möchte ich an meinen Vortrag vom 1. Juni 2010 erinnern, als die „Retrospektive“ mit rund 100 Arbeiten aus knapp 50 Schaffensjahren von Valy im Mainzer Rathaus eröffnet wurde. Zur Ausstellung wurde erstmals ein Buch als Werkverzeichnis publiziert, das ihren Werdegang aufzeigt. Dem Buch sind die gezeigten Bilder entnommen, die perfekt auf die neuen Arbeiten einstimmen.. —Andreas Weber
„Die ich rief, die Geister, Werd’ ich nun nicht los.“
J. W. von Goethe, Der Zauberlehrling, Weimar, 1797
Die Künstlerin, die es zu entdecken, zu erfahren und zu bewundern gilt, ist Valy Wahl, vielen auch als Valy Schmidt-Heinicke bekannt. Valy hat ihre ganz eigene Zauberformel gefunden, ohne jemand heimlich zu belauschen oder zu kopieren. Das Resultat ist ein eigenständiges Werk, das sich mit den ganz großen der Kunst- und Kulturgeschichte messen lassen kann. Kaum eine andere Künstlerpersönlichkeit hat sich so konsequent und zielstrebig entwickelt, um es zur Meisterschaft zu bringen. Kunstgeschichtler werden sich die Zähne an Valy ausbeissen. Denn Valy ist ikonographisch und ikonologisch nicht einzuordnen. Überhaupt, Denken nach Schema F ist ihr nicht nur fremd, sondern vermutlich auch zuwider. Künstler und Kunstsinnige lieben Valy, weil sie uns unverblümt, geradezu kompromisslos ihre Sicht der Dinge mitteilt und uns wachrütteln kann. Valy versteht es, das kunsthandwerkliche mit dem freien künstlerischen Schaffen und Experimentieren zu verweben. Obgleich (oder weil?) sie in der Pfalz, in Kaiserslautern, geboren ist, liebt sie das Kommunizieren, ohne jemals geschwätzig zu werden. Ihre Kreativität, ihr Gestaltungswille, ihr Mitteilungsbedürfnis, ihre Lebensfreude, ihre Kraft und Ausdauer, ihr Mut, ihr Engagement für andere sind beispielhaft. Valy versteht es dabei, sich als Person zurückzunehmen und gleichzeitig präsent zu sein.
Sie entfacht mit ihrer Kunst einen stillen oder besser: lautlosen Dialog. Und sie erschließt uns Kulturräume, sie stellt Dinge in den Kontext und begibt sich auf viele „Spielwiesen“ und Entdeckungsreisen. Ohne dogmatisch zu sein oder sich den Regeln eines kommerziell getriebenen Kunstbetriebs zu beugen, bezieht Valy eine klare Position, gerne auch polarisierend: Valy versteht es, aus Kunst nachhaltige Kommunikation in höchster Vollendung werden zu lassen. Allein ihr druckgrafisches Werk genügt, um als Beweis herangezogen zu werden. Plakate, Fotoarbeiten, gedruckte Publikationen greifen wichtige Themen auf und stellen kulturgeschichtlich orientierte Meilensteine dar. Mehr als 25 Jahre hat Valy ihr Engagement in den Dienst der Kommunikation gestellt. Als Dozentin und Professorin unterstützte sie an der Fachhochschule Mainz ganze Hundertschaften von Kommunikationsdesignern beim Finden des richtigen Weges und bei der Ausgestaltung künstlerischer Fähigkeiten. Lautlos und im Stillen Dialoge zu führen, heisst eben nicht, stumm oder wirkungslos zu sein. Dies ist umso wichtiger, da die Kommunikationswirtschaft in ihrem Werbegelderrausch laut und schreiend uns alle dermaßen belästigt, dass wir auf der Flucht sind.
Flüchten oder Standhalten?
Gute Frage. Valy stellt sich den Dingen. Valy gestaltet. Valy bezieht Position. Valy schafft es, zweidimensionales mehrdimensional erscheinen zu lassen. Und sie stellt Bezüge her, die ungewöhnlich sind, um den Assoziationen freien Lauf zu lassen.
Valy sagt über ihre Kunst: „Der Mensch steht im Vordergrund. Die Befindlichkeiten der menschlichen Empfindungen, von innen oder außen geprägt, spielen eine ent-scheidende Rolle. Das Miteinander oder Gegeneinander bieten starke Kontraste, die dann auch entsprechend hart formuliert werden müssen. Gesellschaftliche und persönliche Erfahrungen fordern heraus, diese bildnerisch zu beschreiben. Meist treibt innere Unruhe oder Unzufriedenheit über Qualitäten die kreative Arbeit an.“
Dieser Impetus der Künstlerin verlangt nach neuen, ausdrucksstarken malerischen Inszenierungsmöglichkeiten. Dazu hat Valy eine ganz eigene Maltechnik erfunden, die eher an Fresco, als an Tafel- oder Leinwandmalerei erinnert. Die fünf bis zehn Millimeter starken, mit Papier kaschierten Kunststoffplatten, bieten eine samtweiche, glatte Oberfläche. Recycling-Klarlack wird aufgetragen, je nachdem eingefärbt mit Pigmenten. Der Auftrag erfolgt spontan und rhythmisch, teilweise abgehoben. Die Suche und Auswahl bildnerisch-substantieller Motive erfolgt intuitiv, oft liegen Skizzen zugrunde. Darüber wird nicht mit Pinsel oder Spachtel gemalt, sondern mit einer Tube, die klaren Gummikleber enthält. Dadurch werden strukturelle Formationen den skizzierten Motiven angenähert. Im Anschluss wird Druckfarbe mit einem Lappen über beinahe die komplette Bildfläche verteilt. Sodann wird der Gummikleber entfernt. Mit der Druckfarbe und dem Lappen werden die Formen konkretisiert und bearbeitet. Weitere Effekte ergeben sich daraus, wie etwa Mehrschichtigkeit und Transparenz. Diese Maltechnik ist nicht zu kopieren, weil sie nur funktioniert, wenn die der Künstlerin eigenen Arbeitsabläufe und Methoden hinzugefügt werden – vom Sehen und Wahrnehmen bis zur Modulation und Bestimmung der Inhalte.
Valy — Katalogbuch von 2010
Valy — Katalogbuch von 2010
Valy — Katalogbuch von 2010
Valy — Katalogbuch von 2010
Mainz als Brennpunkt künstlerischer Schaffenskraft
Beginnend mit Schrift-, Schreibübungen und Plakatentwürfen seit 1957, weitergeführt von Plakaten aus der Zeit seit 1974 reihen sich dutzende Arbeiten ein. Denn bei allen Stadtgeschichte-Ausstellungen für die Stadt Mainz, wurde ein Gesamterscheinungsbild konzipiert, gestaltet und realisiert. Dazu gehörte die didaktische Aufbereitung des Archivmaterials der jeweiligen Thematik, Gestaltung der Ausstellung, Plakat, Einladungskarte und Katalog.
Themen sind Juden in Mainz, Deutsche Jakobiner, Deutschland und die Französische Revolution, Die Mainzer und ihr Rathaus sowie Die Mainzer Kunstszene nach der Stunde Null 1945 – 1954, um nur einige zu nennen.
Siebdrucke wie die Pi-Serie von 1978 kommen hinzu, die als freie künstlerische Arbeiten entstanden, ebenso Fotografien. Reisebilder und Reiseberichte führen uns nach Valencia (2005) oder ins ferne Japan (Fotografien von 2007). Entstanden sind aber auch Blei und Glasarbeiten sowie Kooperationsprojekte wie mit Hendrik Liersch und Ute Eckenfelder aus dem Jahr 2009.
Auf einen wichtigen Punkt will ich aber hinweisen. Die Nähe von Valy zur Literatur und Poesie, ebenfalls eine lautlose, aber äußerst mächtige und klangvolle Form der Kommunikation.
„Wer nicht von dreitausend Jahren sich weiß Rechenschaft zu geben, bleib’ im Dunkeln unerfahren, mag von Tag zu Tage leben.“ —Goethe: West-östlicher Divan, Buch des Unmuts
Entstanden ist in einer an den Symbolismus angelehnten visionären Bildsprache eine alptraumhaft-chaotische Welt des Triebs und des Horrors. Maldoror erscheint in immer neuen Metamorphosen und Masken und präsentiert sein Ich als allegorisches, vampirisch-destruktives Leitbild. Er symbolisiert die Inkarnation des Bösen selbst, ein schwarzer, zerschmetterter Erzengel von unsagbarer Schönheit, der dem Menschen (Leser) seine eigene Hässlichkeit vor Augen führt. Comte de Lautréamont lässt Maldoror sagen: „Ich bediene mich meines Geistes, um die Wonnen der Grausamkeit zu schildern, keine flüchtigen, künstlichen Wonnen, sondern solche, die mit den Menschen begonnen haben, die mit ihm enden werden.“ Die archaischen Metaphern der Gesänge sind nicht als Vergleiche aufzufassen, sondern als Annäherung von zwei mehr oder weniger voneinander entfernten Wirklichkeiten, wie seinerzeit die Entdecker von Comte de Lautréamont, die Dichter Paul Éluard, Louis Aragon, Philippe Soupault und André Breton herausstellten. Breton übernahm Passagen der Gesänge in seine Anthologie des schwarzen Humors: „Die Grenzen sind gefallen, in denen Worte in Beziehung zu Worten, Dinge in Beziehung zu Dingen treten können. Ein Prinzip ständiger Verwandlung hat sich der Dinge wie der Ideen bemächtigt und zielt auf ihre totale Befreiung ab, die die des Menschen impliziert.“ Comte de Lautréamont hinterließ mit seinem Werk ein verwirrend-verrätseltes Vexierspiel, das die Erwartungshaltung des Lesers immer wieder untergräbt.
Apropos. Da ist noch Der Zauberlehrling:
»In die Ecke,
Besen! Besen!
Seid’s gewesen.
Denn als Geister
Ruft euch nur, zu seinem Zwecke,
Erst hervor der alte Meister.«
Steht der Begriff der Moderne immer noch für Innovation, Aufbruch, Zeitgeist, Fortschritt, Erneuerung – Avantgarde? Oder ist er zum einengenden Korsett und Dogma erstarrt und reflektiert den Pluralismus unserer Gesellschaft nicht mehr? Wie sehen Künstler die momentane Diskussion, die mittlerweile einen Großteil der gestalterischen Erzeugnisse der Zeit nach 1945 erfasst hat?
Dies fragte der Kunstverein Eisenturm Mainz (KEM) mit der Ausschreibung seines 26. Kunstpreises 2015 im Rahmen seines 40-jährigen Jubiläums. Teilnahmeberechtigt waren alle Künstler/innen, die ihren Wohnsitz in Deutschland haben.
Hinweis: Der nachfolgende Text erläutert die hohe Bedeutung des diesjährigen Wettbewerbs, der speziell über Social Medien und die KEM Facebook-Seite eine grossartige Resonanz fand..Ausschreibung, Zwischenstand und Live-Berichte von der Preisverleihung fanden über 150.000 Viewers!
Provoziert von dem mehrdeutigen Titel und Ausschreibungstext haben sich fast 700 Künstler und Künstlerinnen am Wettbewerb um den Mainzer Kunstpreis Eisenturm beworben.
Die 39 in der Ausstellung im MVB-Forum vertretenen Werke haben sich von den Klassikern und Ikonen der Moderne inspirieren lassen. Gemäß Hans Belting werden Exemplare der Moderne zu Gegenwartskunst erst, wenn ihre nationale Provenienz zu Gunsten einer globalen Aussage aufgegeben wird, die den Zeitgeist erfasst. Demgemäß wurde aus dem Sammelbecken des www und mit den Mitteln zeitgenössischer Reproduzierbarkeit komponiert aber entgegen der Angst Walter Benjamins schließlich ein auratisches Kunstwerk geschaffen.
Preisübergabe. Foto: Klaus Benz
Stolze Gewinner. Foto: Klaus Benz
3. Preis. Foto: Klaus Benz
2. Preis. Foto: Klaus Benz
1. Preis. Foto: Klaus Benz
Zu den Abbildungen: Dietmar Gross, 1. Vorsitzender des Kunstvereins Eisenturm, und Daniela Schmitt, Regionalmarktdirektorin bei der Mainzer Volksbank, überreichten der Berliner Künstlerin Anne Grau am 5. November 2015 den mit 5.000 Euro dotierten ersten Preis. Der 2. und 3. Preis waren mit 3.000 Euro bzw. 2.000 Euro dotiert. Fotos: Klaus Benz
Preis 3 geht an Marcus Günther, der ein Bild aus Elementen der Pop Art und des Surrealismus schuf. Eine utopische Szene erinnert an die Mondlandung und an Science Fiction Serien wie Star Trek sowie Verschwörungstheorien. Andy Warhols Farbspektrum und plakative Werkeästhetik lassen an der Ernsthaftigkeit des Titels „Fakt“ zweifeln. Befinden wir uns in einer medizinischen Werkekampagne?
Preis 2 geht an Heike Negenborns Landschaft aus der Aufsicht mit dem Titel „Net-scape“. Nach einem historischen Browser benannt, zeigt sich die Netzlandschaft als verpixelte Darstellung aus einer Überwachungs- und Kontrollperspektive, die aufgrund von im Netz kursierenden frühen Drohnenaufnahmen möglicherweise kriegerisch konnotierbar ist. Die Bildästhetik der in Ölfarben ausgeführten Quadrierung verweist auf den impressionistischen Pinselduktus, den Pointillismus sowie die Zeitungsraster der Pop Art und schließlich auf nicht hochauflösende Digitalbilder aus dem Netz. Waren die Impressionisten aufgrund käuflich zu erwerbender Farbtuben flexibel in der Wahl ihrer Location geworden, sind Künstler heute aufgrund eines gewaltigen, globalen Bildarchives im Internet, das hier technisch reproduziert wurde, nicht nur flexibel in der Motivwahl sondern auch mobil.
Der 1. Preis geht an Anna Grau, die mit ihrem „Meister“ ein Meisterwerk geschaffen hat, das zugleich den Meister der Adaption älterer Kunst aktualisierend zitiert. Ihr Gemälde bringt „Les Demoiselles d‘ Avignon“ auf den neuesten Stand. Die rosa Periode Pablo Picassos wird pink-himbeere, zumal die Parade der Prostituierten zur Gayparade bzw. zur Präsentation eines Transsexuellen oder Transvestiten umgemünzt wird. Gemäß Belting gibt es seit dem Ende des Kolonialismus keine Primitiven und keine „Negerskulptur“ mehr und so übersetzt sie ihr Personal in einen Menschen mit Migrationshintergrund. Die kubistischen Rhomben und Dreiecke werden schließlich fragmentiert.
Stimmen und Meinungen zum Wettbewerb und der bis zum 11. Dezember dauernden Ausstellung werden per Link aufgeführt und fortlaufend ergänzt.
Öffnungszeiten: Montag, Dienstag, Donnerstag von 8:15 – 18:00 Uhr, Mittwoch und Freitag von 8:15 – 13:00 Uhr im Forum der Mainzer Volksbank, Neubrunnenstraße 2, 55116 Mainz.
Impressionen von der Preisverleihung. Fotos: Klaus Benz.
Dietmar Gross begrüsste. Foto: Klaus Benz
Im Gespräch: Marianne Grosse, Mainzer Kulturdezernentin, Daniela Schmitt, MVB. Foto:Klaus Benz
Im Gespräch: Susanne Mull, Jury, Daniela Schmitt, MVB. Foto: Klaus Benz
Ein engagiertes Publikum: Valy Wahl, Andreas Weber (KEM Beirat)
Volles Haus. Foto: Klaus Benz
Freudige Gewinner. Foto: Klaus Benz
Jury und Vorstandsmitglieder Dietmar Gross, Susanne Mull, Dagmar Ropertz. Foto: Klaus Benz
Die Gewinner und Laudatorin Sabine Idstein. Foto: Klaus Benz
stellen Sie sich bitte vor: Sie laufen durch eine Grossstadt. Geprägt von inter-kulturellem Miteinander, Migration, Flucht, Zuflucht, Reichtum, Elend, Drogen, Gewalt, Hektik, Lärm, Schmutz und Glanz. Ein Freund sagt: Ich zeige Dir mal was. Sie betreten ein Museum, dass normalerweise die kulturelle Blüte dieser Grossstadt und ihres Landes inszeniert. Sie sehen gekrümmte, verbogene Leinwände, mit groben Holzlatten vernagelt, gerade so, als wäre etwas im Entstehen. Alle Leinwände sind wild bemalt, mit abstrakten, Graffiti-artigen Codierungen. Überhäuft mit Schrift-Botschaften. Das Publikum schwankt zwischen Faszination und Ablehnung, wenn nicht gar Schock oder Ekel. Man verweilt letztlich, weil es ja ein anerkannt berühmtes Museum ist. Die Elite der Stadt steht Pate als Sponsorengemeinschaft, in noblen Förderkreiszirkeln.
Beeindruckt und durchaus verwirrt verlassen Sie die Ausstellung, das Museum. Und auf einmal entdecken Sie in der ganzen Stadt die Bildmotive, die sie gerade in der Ausstellung eingesperrt sahen. Als Freiläufer. An Hauswänden, durch geschichtete Überklebungen an Bushaltestellen, Telefonhäuschen, Hydranten, überall dort, wo ein Zettel/Aufkleber/Plakat nach dem anderen aufgebracht und wieder abgerissen wird. Kritzeleien aller Orten. Kombiniert mit den Spuren täglichen Umweltmülls. Drastisch, eindrücklich, bedenkenswert, merkwürdig.
So tatsächlich passiert. 1992. In Manhattan, dem Herzstück und Puls von NYC. — Seltsamer Kreislauf, oder?
Meine Damen und Herren,
stellen Sie sich bitte vor: Sie sind in Mainz, in wunderbar-historischen Räumen. Sie spüren den Hauch der Jahrhunderte. Den Atem langer kultureller Tradition. Von den Wänden schreien stumm abstrakt-graffitiartige Bild-Text-Codierungen. Alles andere als gefällig. Alles andere als unaufdringlich oder gar verharmlosend. Man mag schwanken zwischen Faszination und Ablehnung, wenn nicht gar Schockzustand. Und man fragt sich: Ist das hier eine Ausstellung? Oder hat jemand hier sein neues Atelier aufgebaut?
So tatsächlich passiert. 2014. Im Eisenturm, unserem Herzstück und Puls von MZ RLP.
Was passiert, wenn Sie später rausgehen, auf die Strasse, bleibt abzuwarten. Aber bitte denken Sie jetzt nicht, die Welt wäre anschließend, wie sie vorher war. Wir leben nicht in einer heilen Welt. Wir können aber Bedrohungen und Gefahren meistern. In der Reflexion von Kunst und Kultur. Drastisch, eindrücklich, bedenkenswert, merkwürdig.
„Seine Kunst ist weit entfernt von einem bildungsbürgerlichen Kanon der Erbauung. Aber wer sich einlässt auf die Bilder, dem bieten die reichhaltigen Assoziationsketten humorvolle Kommentare zur Gegenwart und einen wachen und bunten Blick auf die Welt.“
So wird Dieter Glasmacher auf culturmag.de beschrieben. Die Plattform bietet eine Online-Galerie und stellt in regelmäßigen Abständen Arbeiten interessanter Künstlerinnen und Künstler vor. Zum Auftakt wurden 2010 fünf Bilder des Malers Dieter Glasmacher präsentiert.
“Dieter Glasmacher wurde 1940 in Krefeld geboren und lebt heute in der Nähe von Hamburg. Beeinflusst von der klassischen Moderne, gerade dem Dadaismus, und Strömungen zeitgenössischer Kunst wie Art Brut und Pop Art, hat Glasmacher in vielen Schaffensjahren eine sehr eigenständige Position und eine lebendige, originelle Bildwelt entwickelt. Auch Comic- und Graffitikunst sind in den Arbeiten sichtbar, ebenso wie die „Geheimspuren“ des öffentlichen Raums, Worte und Kritzeleien, wie man sie in Pissoirs, an Bushaltestellen oder Häuserwänden findet.
Die Vorstellung einer Wandfläche ist von zentraler Bedeutung: So kommen seine Arbeiten meistens ohne große Perspektive aus. Untergrund, montierte Gegenstände, Schriften und Figuren stehen gleichberechtigt nebeneinander. Dieses additive Verfahren erlaubt eine große Freiheit und einen enormen Assoziationsreichtum – beim Malen und beim Betrachten. „Ein Bild ist nie fertig und sollte immer weiter malbar sein“, sagt Glasmacher, so wie auch an Pissoir- oder Häuserwänden ständige Veränderung möglich ist, durch Ergänzung und Übermalung.”
Bei Ausstellungen von Dieter Glasmacher – so geschehen zum Beispiel im Palais für aktuelle Kunst in Glückstadt – entsteht der Eindruck, der Künstler habe sein Atelier in die Ausstellungsräume verlegt. Das Bezugsfeld ist also stets, das hier und jetzt, das was gerade passiert und spontan einbezogen wird. Dieter Glasmacher beeindruckt nicht nur, er bewertet, kommentiert, zeigt auf, prangert an. Auf eine ganz eigene Art und Weise. In Glückstadt drückte man dies damals so aus: „‚Die Realität wird überbewertet‘. Der Satz wurde von ihm, wie viele andere Slogans, als Zitat aus einer Zeitung, einer Werbung oder einem Film übernommen und so künstlerisch angeeignet.“
Betrachtet man die Biografie von Dieter Glasmacher, ist man ebenfalls beeindruckt. Einzel- wie auch Gruppenausstellungen haben ihn quer durch Deutschland und in die weite Welt geführt: Von Lima, Peru, bis Abidjan an der Elfenbeinküste, Mexiko-City, Paris, Zürich, London, Gent, Kairo, Athen, Budapest, Amsterdam, Marseille, Lausanne, Leningrad, nach Polen und Dänemark — weitere andere Stationen wären zu nennen. Ausgestellt wird in Galerien, Kunstvereinen, Museen, auf Biennalen oder mit dem Goethe-Institut oder bei Kunsthäusern und -Stiftungen. Es ist fast verwunderlich, dass bei all diesen Aktivitäten noch Zeit bleibt zum künstlerischen Arbeiten.
Auffällig ist die — nennen wir es Multimedialität und Multi-Dimensionalität — von Dieter Glasmacher.
Im Text der Galerie Herold zur Ausstellung 2006 heisst es:
„In seinen Arbeiten führt Dieter Glasmacher Erfahrungen aus den unterschiedlichsten Ebenen zusammen: Erlebnisse, die er während seiner langen Studienreisen durch Afrika gemacht hat und auf seiner Segeltour in die Arktis, fließen genauso in seine Bilder ein, wie die Eindrücke aus seiner direkten norddeutschen Umgebung in Hamburg und an der Elbe. Prägend auf seine Bildwelt wirken außerdem Fernsehen, Kino, Werbung sowie Graffiti und andere Formen der Straßenkunst bis hin zu Krakeleien (…). Sein Hauptthema ist seine Betroffenheit von aktueller gesellschaftlicher Unterdrückung und Deformation.” (Zitat nach W. Brodersen /C. Mewes)
Und weiter wird Auskunft über seine Biografie gegeben: „Dieter Glasmacher lässt sich zunächst zum Musterzeichner ausbilden. Nebenher entstehen aber auch freie Zeichnungen und um seine Kenntnisse hier zu erweitern, besucht er Abendkurse der Werkkunstschule Krefeld. Als 23-Jähriger zieht er nach Hamburg, wo er an der HfbK bei Hans Thiemann Malerei studiert. Nach zwei Jahren wechselt er in die Klasse von Klaus Bendixen und beschäftigt sich intensiv mit Drucktechniken. Noch während seiner Studienzeit nimmt er an ersten überregionalen Ausstellungen teil und engagiert sich in Künstlergemeinschaften.
In den folgenden Jahren wird sein Werk in Galerien und Museen in nahezu allen größeren Städten Deutschlands und im europäischen Ausland präsentiert, und Glasmacher wird mit zahlreichen Ehrungen ausgezeichnet, so u.a. 1979 mit dem Edwin-Scharff-Preis der Stadt Hamburg. Ab den 80er Jahren kommen internationale Ausstellungen außerhalb Europas dazu. Und 1989 beginnt seine zusätzliche Tätigkeit in der Lehre, seit 1995 als Professor an der Hamburger Fachhochschule für Gestaltung.
Schon früh zeichnet sich in Glasmachers Arbeiten und Aktionen sein gesellschaftspolitisches Engagement ab: Kritische Beiträge zum Kunstbetrieb sowie Demonstrationsakte im Zuge der 68-Bewegung machen ihn bekannt.
Der Künstler bedient sich hierfür verschiedenster Medien – vom Wandbild bis hin zum Trickfilm [in Zusammenarbeit mit Kurt Rosenthal, Mainz]. Allen seinen Arbeiten haftet ein collageartiger Charakter an: Scheinbar zusammenhangslos kombiniert er Figuren, Zeichen, Farbfelder und Schriften. Sie bilden Erfahrungsstückchen, die assoziativ zu einem Puzzle zusammengefügt sind und wiederum Assoziationsketten beim Betrachter auslösen. Meist stellt Glasmacher starke Emotionen wie Wut, Trauer oder sexuelle Begierde heraus, aber auch bunt leuchtende Lebensfreude wird in den Bildern thematisiert.“
Meine Damen und Herren:
Stellen Sie sich bitte vor: Dieter Glasmacher wäre nicht nach Mainz gekommen, um uns sein künstlerisches Schaffen zu präsentieren — mit dem vielsagenden Titel „Seltsamer Kreislauf“.
Stellen Sie sich vor, Dieter Glasmacher hätte nicht 1969 zusammen mit Werner Nöfer das erste Wallpainting Europas erschaffen.
Apropos: Ausstellungstitel
Seltsam hat eine vielschichtige Bedeutung:
Das Adjektiv selten bildet den Grundstock, aber auch andere – quasi wie Synonyme – kommen sogleich in den Sinn:
Der Kern des Wortes Kreislauf ist Kreis: Der Kreis ist ein universelles Symbol. Vielleicht das globalste, das es gibt. In allen Kulturen findet es sich: Als Symbol für Sonne, für die Gestirne, für das Göttliche oder das Immerwährende. Es leitet sich ab aus alten Zeiten: KRIZZON, althochdeutsch für einritzen, kritzeln und krazen.
Etwas zieht seine Kreise, uns allen geläufig, wenn wir beschreiben wollen, wie Dinge ihren Lauf nehmen, um Wirkung zu entfalten. Im Guten wie im Bösen. — Wir sehen, der Titel ist mit Bedacht gewählt. Und charakterisiert vortrefflich, wofür die Exponate und der Künstler mit seinem schöpferischen Rhythmus stehen. Das im „Kreis Laufen“ kann sowohl eine Wohltat, zur Entspannung, als auch Horror sein (wenn man sich Ver-Laufen hat). Dank Dieter Glasmacher finden wir durch „Seltsamer Kreislauf“ Orientierung.
Nebenbei: Störe meine Kreise nicht, ist eines der häufig bemühten Zitate nach Archimedes. Sie erinnern sich? Der griechische Mathematiker und Physiker lebte im 3. Jahrhundert v. Chr. und gilt als einer der größten Mathematiker aller Zeiten. Der Legende nach war Archimedes eines Tages damit beschäftigt, geometrische Figuren in den Sand zu zeichnen, als die Römer anrückten um ihn festzunehmen. Er war jedoch so sehr in seine Aufgabe versunken, dass er barsch mit dem Satz reagierte: “Störe meine Kreise nicht.” Dies brachte einen der Soldaten so in Zorn, dass er den alten Mann erschlug. — Alles andere als eine heile Welt!
Und heute, in unseren „Modernen“ Zeiten, drücken wir mit dem Ausspruch “Störe meine Kreise nicht” aus, dass wir gerade nicht gestört werden, uns abschotten möchten.
Vermutlich ist dies das Schlüsselelement der Kunst des Dieter Glasmacher: Eine „erstaunliche Regelmäßigkeit“ und „merkwürdige Ordnung“ koppeln können mit „wundersam-komischer“ Wahrnehmung und Darstellung der Welt und unserem Tun. Im Guten wie im Bösen.
Seltsamer Kreislauf: Das von mir eingangs erwähnte Geschehnis aus dem Jahr 1992 hat nichts mit Dieter Glasmacher zu tun. Oder doch?
1992 zeigte das renommierte Whitney Museum of American Art die Aufsehen erregende Retrospektive von Jean-Michel Basquiat. Gewidmet dem ersten afroamerikanischen Künstler, der den Durchbruch in der hauptsächlich „weißen“ Kunstwelt schaffte. Wie eine Supernova stieg er auf – auch dank der Beziehung zu Andy Warhol – und verglühte nach nicht einmal 28 Lebensjahren abrupt. Geprägt von einer fulminanten Besessenheit, dem Schrecken, seinem Schrecken eines schwarzen Lebens künstlerischen Ausdruck zu verleihen. Basquiats Kunst- und Stilrepertoir hat viel mit Dieter Glasmacher gemeinsam.
Nur: Dieter Glasmacher hat dies schon entwickelt und kultiviert, bevor Basquiat künstlerisch zu arbeiten begann (er ist 1960 geboren und verstarb so früh im Jahr 1998). Und Dieter Glasmacher arbeitet noch heute in ungebrochen dynamischer, frischer, lebendig-provozierender Art, wie wir hier im Kunstverein Eisenturm sehen und erleben dürfen. Erstaunlich, wie Regelmäßigkeit auf vielfältige Weise ihren eindrücklichen Ausdruck in seinem Werk findet!
Seltsamer Kreislauf. Oder?
Doch lassen wir, schlussendlich, den Künstler selbst zu Wort kommen.
Dieter Glasmacher sagte anlässlich einer Ausstellung „Fernwärme – Daheim auf dem Lande“ im Jahr 2009: „Am Anfang des Studiums war ich fasziniert von der Art Brut.“ [Zur Erläuterung: Der Begriff kommt aus dem Französischen, für ‚unverbildete, rohe Kunst‘; gemeint ist damit ein Sammelbegriff für autodidaktische Kunst von Laien, Kindern und Menschen mit geistiger Behinderung. Art brut ist weder eine Kunstrichtung noch eine Stilbezeichnung, sondern beschreibt eine Kunst jenseits etablierter Kunstformen und -strömungen.]
„Sie ist einfach und direkt. Mich interessiert die Einfachheit des Auftrags, dass die Figur teilweise nicht modelliert ist, dass es keine Perspektive gibt, dass alles wie hochgeklappt, geschrieben ist, wie auf eine Wand“. Und Dieter Glasmacher fährt an anderer Stelle fort: „Teilweise beziehe ich meine Inspiration nicht nur aus Graffitis, sondern auch aus Geheimspuren, die irgendjemand hinterlässt und irgendjemand überstreicht (..) Und da gibt es auch keine fertigen Geschichten. Der nächste kommt dazu und setzt wieder einen Spruch drüber. Und so arbeite ich auch.“
Die Fertigkeit zum Unfertigen, das sich ständig fortschreibt, ist das nicht ein Seltsam-Denkwürdiger Kreislauf“?
So erschließt sich das Zitat auf unserer Einladung in noch besserer Form:
„Ich arbeite assoziativ, additiv. Mich interessiert die Gleichzeitigkeit.
Alles geschieht gleichzeitig.“
Wir freuen uns, lieber Dieter Glasmacher, das Sie hier bei uns im Kunstverein Eisenturm sind, um ihre Gedanken, Empfindungen, Erfahrungen und Imaginationen durch ihr beeindruckendes Werk mit uns teilen.
Liebe Freunde, liebe Gäste, ich möchte Ihnen hier Zoppe Voskuhl vorstellen, Zoppe Voskuhl! Er kommt aus Berlin zu uns, um uns seine vielseitigen Werke zu zeigen und dafür möcht ich ihm herzlich danken. Ich muss Ihnen mitteilen, dass der Aufbau dieser Ausstellung mit Zoppe mir sehr viel Spaß und Freude bereitet hat.
Begrüßen möchte ich Hendrik Liersch aus Berlin, der V.O. Stomps-Preisträger der Minipressenmesse Mainz 2007, seine Frau, seine und meine Freunde aus Wendelsheim. Über die zahlreich anwesenden Freunde und Mitglieder des Eisenturms freue ich mich besonders. Das Leben von Zoppe Voskuhl begann in Rhauderfehn, wo auch immer das ist, es ist wohl ein ostfriesisches Dorf. Ich hoffe im Gespräch gibt es sicher hierzu eine Aufklärung. Der Ort muss sicher in der Nähe von Bremen sein, denn dort hat er an der Hochschule für Gestaltung Malerei studiert. Stationen seines agilen Schaffens war erst mal Bremen, dann, na klar, Paris, Hannover und seit 1995 ist sein zu Hause und Atelier nun in Berlin.
Zoppe Voskuhl zeichnet gerne mit Bleistift, macht Kaltnadelradierung, schneidet in Holz und Linol. Die Malerei ist eine Technik, die ihn fesselt, deshalb ist die Skulptur eine logische Folge, die sich aus seiner Themenfülle selbständig macht. Thema ist der Mensch als figurative Ausformung. Die Frage nach dem Menschsein wird immer wieder neu gestellt. Z. V. arbeitet in verschiedenen Werkgruppen: Rüdibilder, Braunbilder, Neubilder, Direktbilder, Schönbilder.
“Rüdibilder” wir stehen mittendrin. Rüdi ist eine Kunstfigur, die träumt, scheinbar sinnlos agiert und phantastische Bilder mit Rüdis bevölkert.
“Neubilder” sind auf altmeisterliche Art typisch bekannte Situationen, die jedoch rätselhaft wirken.
“Braunbilder” sind Menschenfiguren in expressionistischer düstern Farbgebung.
Zoppe V. nutzt die Situation sich mit seinen verschiedenen Werkgruppen gestalterisch auseinanderzusetzen, um methodisch und ästhetisch seine illusionistische Gegenständlichkeit präzise zu definieren. Sie brauchen sich nur umzuschauen. Außerdem bereitet Lyrik ihm ein großes Vergnügen. Seine Linolschnecken sind hierzu bei Hendrik Liersch verlegt. Dazu später eine Info.
Textfetzen von C. H. Simpson zu “Rüdibilder”: “Freude am Leben verkörpert Rüdi, als Kind, Kobold, Zwerg, als Comic-Figur, ein Wesen, das durch die Erwachsenen nicht wirklich ernst genommen werden kann. Er kann alt, jung, Mann, Frau oder Kind sein. Mit seinen Spielkameraden gestaltet er die Bilder selber und poltert ohne Tabu und Regeln über die Grenzen hinaus, ein Lobpreis der Komplexität des menschlichen Daseins. Verletzt wirkende, unausgeglichene kindische Wesen, hoffnungsvolle, naiv stumpfsinnige Gesichter, auf streichholzartigen Gliedern verloren und vertrauend in die Zukunft zu schauen, scheinen Rüdis einer umfangreichen potent polternden Bildwelt zu entspringen.”
Die Figuren transportieren Menschliches spielerisch triebhaft jedoch unreflektiert. Eine Fülle von Furchtlosigkeit findet man in den Motivschöpfungen. Farbakkorde, mit drei-, vier- und fünf Klängen werden in schroffen Übergängen expressionistisch und teils in geschmeidiger Modulation behandelt. In Mitten der verschiedenen Bildsprachen steht Rüdi, der Alleskönner, das liebe Kind, der Kleinverbrecher, der Wiederholungstäter, der moralische Entdecker im gemalten Format.
“Rüdi” ein Fabelwesen auf der gespannten Leinwand, Rüdi der merkwürdige Homunkulus, oder das künstliche Menschlein des Keilrahmens mit einer Schar Gleichgesinnter. Die liberale Bildwelt bricht inhaltlich Tabus und ist hoch extrem. Womit die Schmerzgrenze des Sehbaren überschritten ist. Zoppes Farbklänge sind leicht beschwingt wie Schmetterlingsflügel, nicht brodelnd dunkel, sondern das überzogene expressionistische Farbgefühl ist schillernd und schrill.
Rüdi widerspricht der erhabenen Idealfigur mit ausgewogenen Gliedmaßen und anmutigen Gesten. Er ist ein halbfertiger, mal kindischer , mal grauenhafter Bildakteur, der in der Menge anderer Bildgenossen mannigfaltige Sozialallegorien aufzeigen kann. Obwohl sie kultiviert erscheinen, foltern sie in der gleichen Unbekümmertheit, wie sie sich lieben.
Er ist ein Mischwesen, schön, voller Bewunderung, ekelerregend, zuweilen sexbesessen, wie ein sich selbst quälendes Monster. Schön hier in den Zeichnungen exemplarisch zu sehen. Die Entstehung der Rüdibilder sind wie eine wellenartige Ablagerung von Strandgut am Meeresrand einer ostfriesischen Insel. Im Rüdiland herrscht Vollbeschäftigung. Nichtstun und Konsumieren ist eine anerkannte Tätigkeit, die mit Hyperaktivität betrieben wird.
Braunbilder
Großformat, keine klassische schöne Zeichnung, sondern eine eminent ästhetische Unruhe, bestimmt seine Bildsprache. Die Brauntöne bestimmen die Motive und Inhalte, sie sind wesentlicher Bildbestandteil der Thematik, die durch den gewollt heftigen Duktus des Farbauftrags hervortritt. Die Zeichnung mit Graphit funktioniert mit gleicher Intension und Konzentration.
Die Figurationen in szenischem Bildraum entwickeln sich mit vollem Körpereinsatz des Künstlers beim Malen. Die dunklen Farbflächen intensivieren sich dramatisch wie die menschlichen Seelen und ihre Befindlichkeiten, manchmal brutal und gewalttätig, manchmal sanft und zärtlich.
Für den Betrachter sind diese Aussagen unverständlich, nebulös, geheimnisvoll, traurig oder melancholisch, jedoch kann das Temperament des Künstlers während des Machens, die Tätigkeit der Farbe und des Pinsels auf und in den Bildgrund eine Ekstase oder wunderbaren Rausch bewirken. Die Entfesselung des Künstlers und dem entstandenen Sichtbaren fordert den Künstler heraus, sich der formulierten Bildrealität zu stellen und kann und muss klärend in Form und Farbe einwirken.
Dieses Spiel oder auch Stress zwischen dem Künstler und seinem figurativen Werk machen dem Betrachter Angst, denn dieser Vorgang wird nicht wirklich nachvollziehbar, weil er die Zwänge und zugleich Freiheiten des Künstlers in diesem Moment nicht kennt. Diese intensiven Zwiegespräche Künstler-Bild und Bild-Künstler, machen die Faszination der “Braunbilder” von Zoppe Voskuhl aus. Damit wird die Frage nach dem Menschsein beantwortet. Gegen das krude Bildgeschehen setzt er als Tröstung die ästhetische Gestaltung. Reden und Malen wirkt als Befreiungsakt.
Albtraum von der Seele malen, nicht schön, aber möglichst schnell, dabei passieren grobe Inhalte, grobe Mittel und keine Ästhetisierung. Ausgetüftelte Tortouren und beängstigende Exekutionen sind surreal und obsessiv. Kitschige Harmonie und heimelige Idylle ist ironisch und karikierend. Schön ist doppelwertig zu verstehen. Zoppe V. eignet sich Bereiche des Imaginären an und setzt sie in die materielle Fiktion des Bildes um.
Neubilder
Mit einer rötlich-grünlich-blauer reinen und satten Farbpalette werden Menschen mit kleinen Köpfen und langen Körpern in ihren Fähigkeiten und Unzulänglichkeiten fast mit altmeisterlichen Stil gemalt. Hier stöbert Zoppe gerne durch die Kunstgeschichte. Meistens sind das wirklich “schöne” Bilder, wie Zoppe V, sie auch nennt, jedoch ist die Aussage nicht immer gut, denn schön ist nicht immer gleich gut, wie er in den Bildern “Baumträger” oder “Vasen” und einige ohne Titel aufzeigt.
Z. V. will auf die Grausamkeiten des menschlich Möglichen formal reagieren, die zu zeigen ist ihm wichtig. Mit freigestellten Figuren und monochrom wirkenden Bildgründen reagiert er pointiert und plakativ. Die Unendlichkeit und der weite Blick lässt fragen, nach dem Begreifen was vorgeht oder ob Neues kommt. Eingefrorene Momente, wie eigentümliche Staffagen modelliert Z. seine Geschichten und webt Geheimnisvolles hinein. Mit den “Vasen” oder “Baumträgern” schildert uns Zoppe das Verhältnis des Menschen zur Natur. Mit der Fracht auf dem Rücken agieren die Figuren geschäftig und dynamisch, als wäre das das Logischste der Welt, statt Bäume zu pflanzen, vielleicht leichtsinnig und unbedacht sie zu Grabe zu tragen.
Will Zoppe Voskuhl mit seiner Bilderwelt seinem liebenswerten Humor und dem beißenden Spott uns einfach mal “schön” aufrütteln und uns auffordern uns an unsere lebensnotwendigen Ressourcen denken zu lassen?
Bei den “Vasen” muss man sich schon fragen, was wird mit Blumen so schön geschmückt und wird mit so viel Leichtigkeit fortgetragen und wohin transportiert?
Zoppe Voskuhl als Maler
Seine Braunbilder bewegen Widersprüche, Affekte und Brüche, die als Synonym für zeitgenössisches Denken gilt. Bevormundung durch ästhetische Theorien lehnt er ab, denn für ihn ist das Bild spontan und ebenso reflektiert. Eindeutige Aussagen werden verweigert. Der Selbstausdruck wird gefeiert.
Der Mensch als Thema wird in dynamischer Bewegung sowie in statuenhafter Pose in großartigem Volumen geformt. Diese Formen wachsen aus der Farbe, die keinen fixierten Raum und auch keine Zeit kennt. Soziale Erfahrungen bestimmen die Tätigkeiten seiner Figuren, die ihre Haltung und nicht das Milieu dokumentieren.
Wie Michael Stoeber sagt, “werden Gebärden des Beschützens und des Abwehrens, das Suchen und Verlierens, Umarmens und Unbeteiligtseins, Gebärden von Angriff und Verteidigung, embryonaler Schutzsuche und regressiver Verweigerung bevorzugt”. Dies geschieht einmal mit minutiösem Pinselstrich an Pinselstrich, gleichermaßen mit nervös geschlagenen Pinselhieben in ungeduldiger Manier, um seine Figurenwelt aus dem Malgrund, in erdigen Brauntönen, zu modellieren. Illusionistische Räumlichkeit und atmosphärische Dichte führt Zoppe Voskuhl mühelos und meisterhaft vor.
Die Begrifflichkeit wird anstrengend, es gibt kein eindeutiges Abbild, es entstehen Fixierbilder die desorientieren, die nur so elementare Gesten gelten lassen, nämlich vom Leben gezeichnete und gebeutelte Gestalten. Sie stehen immer im Kontakt und im Dialog zueinander, um ihre Regungen manchmal zärtlich und auch manchmal brutal und gewaltig erscheinen zu lassen. Die Kunst zielt auf eine originelle Zusammenstücklung von Gedanken, umgesetzt in einer realistisch gestimmten Malerei, die wie ein Geheimzeichen funktioniert. Die Brücke zum Betrachter wird geschlagen indem reale und surreale Momente aufgezeigt werden.
Auf der Webseite von Z. V. ist ein Interview zu sehen, wo er schildert, dass er beim Arbeiten “auf der Suche nach dem beglückten Zufall” ist. Dabei hat er so recht, wenn er weiter sagt: den Zufall pflegen zu müssen, denn es gilt das Medium zum Tanzen zu bringen, denn dann tanzen die Bilder.” So passt der Titel unserer Ausstellung: “Malen macht reich”.
Zu der Druckwerkstatt in Berlin, von Hendrik Liersch, möchten wir heute einige besondere Druckwerke zur Lyrik und Prosa, verschiedener Autoren, mit Radierungen und Holzschnitten von Zoppe Voskuhl Ihnen vorstellen. Hendrik Liersch und seiner Frau Karin danke ich für die schöne und wertvolle Ergänzung und Sonderschau. Die Bücher zum großen Teil mit originalen Zeichnungen bzw. Exponaten als Unikaten, sind natürlich gerne käuflich zu erwerben. Wer sie gesehen und mal in der Hand hatte, wird sich ihnen, sowie den Exponaten von Zoppe Voskuhl nicht mehr entziehen können.
I
Ich freue mich, dass jetzt Andreas Weber, unser Spezialist für Kunst und Kommunikation, nun ein bewegt-informatives Gespräch mit Zoppe Voskuhl führen möchte.
Text sowie Fotos/Bildcollage:
Andreas Weber, Mainz/Frankfurt am Main, 7. Februar 2014
Warum es sich lohnt, diesen Blogpost zu lesen:
1. Kunst = Kommunikation
2. Kommunikation = Kunst
3. Kunstverein Eisenturm K3 = KunstHochDrei
Liebe Freunde erhabener Kunst, liebe Fans des Kunstverein Eisenturm!
Wie kann man eine wichtige, zukunftsweise KEM-Mitgliederversammlung besser krönen, als mit einer wunderbaren Ausstellung von Format. „Kunst Hoch Drei“ bietet ungeahnte Überraschungen. Und begeistert. Nach dem gelungenen Intermezzo von Martin Kosa am letzten Wochenende zur Vorstellung des Fotobuchs „Tokio Translated“ geht es also Schlag auf Schlag. Kunst Hoch Drei – auch kurz K3 genannt, ist ein Format mit kultureller und kreativer Dimension. Der Ideengeber — Dietmar Gross – hatte zusammen mit den Kuratoren im Sinn, Begegnungen herbeizuführen und Mono-Dimensionen zu überwinden, indem jeweils drei Kunstschaffenden Gelegenheit gegeben wird, ihre Arbeit nicht nur zu präsentieren, sondern in den Kontext künstlerischer Schaffenskraft zu stellen.
Ein herzliches Willkommen gilt darum nochmals Irma Hartberg und ihren Assemblagen, Alice Stäglich und ihren Skulpturen sowie Angelika Wende mit ihren Malereien.
K3 bezieht aber auch topografische Dimensionen ein. Drei Räume treffen drei Künstler geht damit einher, aber noch wichtiger die Tatsache, dass K3 ein Bergmassiv im Himalaya meint, den Broad Peak, übersetzt: das ausgedehnte Gipfelgebiet, das zu dem 14 Achttausender dieser Welt gehört. Seine Dimension umfasst in etwa das Areal, das zwischen Mainz, der Gemeinde Heidenrod (hinter Wiesbaden) und Gemünden im Hunsrück, den Wohnorten unserer Künstlerinnen, liegt.
Ein Gipfelpunkt wie K3 liefert einzigartige Ausblicke und Einblicke, indem man im Team mit sich selbst und mit ausgewählten anderen den Aufstieg geschafft hat.
Der Weg der Künstler ist mitunter ein steiniger, nicht selten riskanter. Man muss, wie Alpinisten wissen, stets an sich glauben, durchhalten und darf sein Ziel wie auch sein Umfeld nie aus den Augen verlieren. Natur und Mensch sind ein ungleiches Paar!
Was macht nun die drei Künstlerinnen, deren Werke wir heute bewundern dürfen, aus? Sie bilden keine Seilschaft im klassischen Sinne, haben zuvor auch noch nie im Dreier-Ensemble ausgestellt. Das kann man kaum glauben. Denn wer genau hinsieht, entdeckt zum Beispiel Elemente von Alice Stäglich im Werk von Irma Hartberg. Und umgekehrt. Angelika Wende greift Gedanken der beiden anderen auf und übersetzt sie in furiose, zweidimensionale Kompositionen, die Malerisches und Fotografisches zu Transformationen und Metamorphosen vereinen.
Grund genug für uns, sich auf eine andere, intuitive, erlebnishafte Herangehensweise an die Exponate einzulassen. Gerade so, wie auf einer Expedition, wenn das Vorhersehbare anders eintritt, als man erwartet hat.
Irma Hartberg und ihrer Kunst nähert man sich am besten, so meine Erfahrung gestern, als ich ganz für mich die Ausstellung vorbesichtigen durfte, indem man den Blick zunächst tief in die Exponate „hineinzoomt“. Hier erkennt man die Kunstfertigkeit der Assemblagen am besten, rostige Metallelemente treffen Farbaufträge, selbst wenn die Bildwerke hinter Glas sind. Reliefcharakter mit Dreidimensionalität entsteht. Und ein Feuerwerk an Farbimpressionen, die mitunter geometrisch angelegt sind, aber Gegenständliches abstrahieren. Irma Hartberg, in Kassel geboren, hat zunächst Kunsterziehung / Polytechnik an der FH Darmstadt studiert bevor sie an die Freien Wiesbadener Kunstschule ging, um danach am Hessischen Staatstheater als Theaterplastikerin und an anderer Stelle einige Jahre als Kunsttherapeutin zu arbeiten. Sie hat eine ganze Reihe erfolgreicher Ausstellungen absolviert, in ganz Hessen, in Nord- und Ostdeutschland sowie in Wien. In Mainz war sie mehrfach zu Gast beim KEM in den Kooperationsausstellungen mit der Mainzer Volksbank.
Die Inspirationsquellen für Irma Hartberg sind vielfältig. In ihren Werkzyklen finden sich Anregungen aus der mexikanischen Volkskunst für die Fadenkollagen. Sie sagt selbst: „Diese Bilder versuchen Gefühlszustände wie Schmerz, Hoffnung, Ambivalenz, Geborgenheit in abstrakte Formen zu transformieren. Jedes Bild beschränkt sich auf wenige Farben und lässt Tiefe durch Farbabstufungen entstehen.“ Die Künstlerin steht im Dialog mit der Natur: „Die Natur ist Mitgestalterin, indem sie durch Form und Struktur … die Bildkomposition bestimmt. Natur und Kunst werden hier eins. Hintergründe wachsen mit Naturmaterialien zusammen und werden zu archaischen Gebilden, die von einer ganz eigenen, geheimnisvollen Welt erzählen.“
Die hier gezeigten Assemblagen aus Kiefernholz und Metall mit den Be- und Übermalungen haben für Irma Hartberg eine ganz besondere Bedeutung. Sie nennt dies die „Ästhetik des Zerfalls“ und wertet sie als Zeichen der Vergänglichkeit. Sie lasse den Bildern Zeit, da mitunter das Metall noch reifen muss, bis es die richtige Patina aufweist. Die eingesetzten Materialien hätten „viel zu erzählen“, gerade wenn sie Abfall waren und durch die Kunst wieder ins Leben zurückgeholt werden. Irma Hartbergs Themen sind wie sie sagt durchweg „Verbinden, Zusammenhalten, Getrenntheit überwinden. Und die Zeit. Die Zeit als vierte Dimension ist Thema eines Konzeptpapiers, das Irma Hartberg zu Ausstellung verfasst hat und mir schickte. Ich darf es kurz vortragen:
Zeit – die vierte Dimension
„Zeit an sich ist ein abstrakter Begriff, der sich am besten sichtbar machen lässt an Materialien, die, wenn sie äußeren Einflüssen ausgesetzt sind, sich langsam auflösen.
Hier ist die Zeit die Gestalterin. Am eindrucksvollsten lässt sich dieser Prozess bei Metall oder Eisen beobachten. Ich habe ein Stück Zinkblech, das 30 Jahre in der Erde lag, ausgegraben und wieder ‚zum Leben erweckt‘, indem ich es in eine Assemblage eingebaut habe.
Diese „Ästhetik des Zerfalls“ ist mein Thema. Die lebendigen Spuren der Zersetzung von Materie (auch Kunststoff und Holz) füllen meine Bilder mit Leben. Wie ein Künstler gestaltet der Zerfall durch Verfärbung, Bruchstellen und das Abblättern von alten Lacken. Er ist das Gesetz des Universums und am Ende durch nichts aufzuhalten! Ein Prozess, den wir allzu gerne verdrängen, da auch wir von ihm nicht verschont bleiben.
Die Teile, die ich finde, werden als Müll bezeichnet.
Ich gebe Ihnen ‚ihre Würde‘ zurück (wie es die amerikanische Künstlerin Louise Nevelson formulierte). Ich füge sie neu zusammen und bediene mich dabei der dem Zeitgeist trotzenden ästhetischen Formgebung, die für mich nach wie vor von großer Bedeutung ist.
Irma Hartberg, Februar 2014“
Foto: Andreas Weber, 6. Februar 2014
Transformation, Zerfall, Metall und Rost kennzeichnen auch das Gestaltungsfeld von Alice Stäglich. In Warschau geboren, hat sie lange schon ihr Atelier im Hunsrück, im Gut Neuhof, mit atemberaubenden historischen Räumlichkeiten, die die Wirkung der Skulpturen bestärken. Ganz wie auch hier im Eisenturm, getreu dem Motto: „Etwas Altes wird etwas Neues“. —
1980 begann Alice Stäglich ihr Studium der Bildhauerei an der Europäischen Akademie für Bildende Kunst in Trier und Salzburg. Sie gehört dem Berufsverband Bildender Künstler BBK an — wie auch seit 1989 der Künstlergruppe Nahe e.V.. Seit über 10 Jahren stellt sie auf der Mainzer Kunstmesse aus, ebenso wie auf Kunstmessen in Bonn oder München sowie in Einzel- und Gruppenausstellungen im In- und Ausland. Ihre Arbeiten sind in öffentlichen wie in privaten Sammlungen vertreten. Zu nennen sind auch Veröffentlichungen wie „Blaue Sonne“, „Fundstücke“ oder „Das Konzert“.
Dr. Angela Nestler Zapp, Leiterin der Bad Kreuznacher Kunst- und Kulturtage, Museumsdirektorin Schlossparkmuseum und Römerhalle Bad Kreuznach, urteilt wie folgt: “Die Plastiken von Alice Stäglich entstehen aus der Montage verschiedenartiger Fundstücke aus der Alltagskultur, die isoliert von ihrem ehemaligen Umfeld und ihren damit verbundenen Funktionen eine neue Wertigkeit und Bedeutung erhalten.”
Alice Stäglich stellt ihren Arbeiten ein wunderbares Zitat von Marcel Duchamp voran: „Kunst ist eine viel tiefere Sache als der Geschmack einer Zeitepoche, und die Kunst einer Zeitepoche ist nicht der Geschmack dieser Zeitepoche“.
Wer mit diesen Worten im Ohr den Ausstellungsraum betritt, erhält eine andere Vorstellung. Und kann eine quasi metallische Orchestrierung von Musik- oder Konzertdarbietungen erleben. Vertraute Elemente kombinieren sich in neuer Art und Weise. Der originale Notenständer führt eine schwere Last, da das Notenpapier anders als gewohnt nicht aus Papier geformt ist.
Alice Stäglich erweitert das aus der Kunstgeschichte bekannte Repertoire des Object Trouvé, des Fundstücks, und agiert nicht ohne Humor und Ironie. Gerade so, wie ein Picasso, der aus Fahrradsattel und -lenker einen Stierkopf formte. „Ambivalenz und die Lust an der Dechiffrierung der einzelnen Gestaltungselemente machen den Reiz der Rezeption aus“, schreibt die bereits zitierte Dr. Angela Nestler Zapp, die weiter ausführt: „Die Figurationen verblüffen ebenso durch paradoxe Kompositionen von ehemals unvereinbaren Objekten wie durch witzige und ironische Details. Frontalansichtig beziehen sie ihre Wirkung durch die silhouettenartig abstrahierte Umrissform.
Gegenständliches und Abstraktes werden kombiniert, Konstruktivistisches und Surreales miteinander verschränkt. Dafür bleibt jedoch immer die Identität der Fundstücke, die in sparsamen Kompositionen zusammengefügt werden, erhalten. Auf diese Weise werden Relikte unserer Alltagskultur in einen neuen Kontext gesetzt und die Ihnen innewohnenden plastischen Qualitäten vor Augen geführt.“
Die Namensgebung der Werke vereint Musikinstrumente wie auch -gattungen und Musikerberufe. Klaviermädchen, Orgelmann, Schlagzeug, Orgel, Trommel etc. sowie das gekonnt-gemischte Ensemble der Stühle, die zugleich Konzertbesucher darstellen. So unterschiedlich wir Menschen sind, so unterschiedlich sind auch die Bildwerke, die entstehen.
Meine Damen und Herren, soweit möglich, wenn nicht heute, dann morgen oder ein anderes Mal, schauen Sie bitte, dass sie die Exponate von Alice Stäglich alleine und in Ruhe genießen können. Es liegt auch ein wunderbarer Katalog aus, mit vielen weiterführenden Informationen, der auf dem Umschlag die Farbwelt der Skulpturen nach aussen trägt. Im Katalog sind auch Fotos des Ateliers im Gut Neuhof zusehen, die ad hoc den Wunsch nach einem Besuch bei Alice Stäglich im Hunsrück anregen.
Foto: Andreas Weber, 6. Februar 2014
Wie wichtig persönliche und mediale Präsenz ist, das weiss Angelika Wende ganz besonders. Sie hat in Mainz Literaturwissenschaften an der Johannes Gutenberg Universität studiert, war bei Pro7 und ZDF Fernsehmoderatorin und verfügt über eine Ausbildung als Psychologische Beraterin. Sie arbeitet als Freie Journalistin, Autorin, Kuratorin und Kunstschaffende. Übrigens ziert die Einladung zur heutigen Ausstellung im Eisenturm als Profilbild die Facebook-Seite von Angelika Wende… Es kam heute zu viel Interaktion auf Facebook.
Matthias Rüppel, Maler und Bildhauer UdK, Berlin, sowie
Christian Felder, Maler, Mainz.
Auf die Frage: „Warum machst Du Kunst?“ antwortete sie spontan in einem auf YouTube publizierten Video: „Weil ich nicht anders kann. Ich muss mich ausdrücken!“ [Gemeint, wohl eher: austoben!]. Neben Sprache und der Verschriftlichung von Gedanken sind malerische und fotografische Ausdrucksformen ihr Metier. Den Fotografie-Arbeiten auf ihrer Website hat Angelika Wende ein Zitat von Max Beckmann vorangestellt: „Das Selbst ist das grosse Rätsel.“
Und ihrer Schrift „Die andere in mir – KALi“ stellt sie voran:
„In einer Aprilnacht in die Welt geworfen
Heimat ist in mir selbst
Mein Lebensweg – eine Suche
Meine Sehnsucht – die nach Wissen und Gelassenheit
Mein Motor – Kreativität
Mein Glaube – Liebe …
Malerei:
Ich male, wenn die Worte nicht ausreichen,
um das zu beschreiben was in mir ist …“
Das Neue bewegt sie wie das Alte. Gedanken aus Platons Symposion tauchen auf. „Wir Menschen sind halbierte, die sich nach Ganzheit sehnen“. So sind ihre Bildwerke zu verstehen. Sie erheben nicht den Anspruch, akademisch perfekte Malerei verkörpern zu müssen. Sie sind spontan visualisierte Gefühlsexplosionen, die über das Intellektuelle hinausgehen. Es ist beindruckend zu sehen, wie viel Grosses in ganz kleine Bildformate gepackt werden kann. Anscheinend braucht die Geisteswelt ein Äquivalent auf der Gefühlsebene.
Sich wie Immanuel Kant den Lebensfreuden und -nöten völlig zu entziehen, kann für Angelika Wende wohl kaum vorstellbar sein. Dazu ist sie dem Mensch–Sein, mit allen Höhen und Tiefen seiner Existenz, viel zu sehr verbunden. „Wir werden zu dem, was wir sind…“ findet sich zu ihrem Text- und Bildband „Medea – Metamorphosen“.
Hier heisst es weiter:
„Er ist schwach und sie ist stark. Er nimmt ihre
Stärke, solange sie ihm nützt und hält sie nicht
aus, weil sie ihn kleiner macht in seinen Augen.
Dieser Mann ist klein, zu klein für eine große
Frau.
Warum macht diese starke Frau die
Erfüllung ihrer Sehnsucht an ihm
fest? Ist sie blind, oder im Innersten
so einsam, dass sie im Gefühl
endlich geliebt und gebraucht zu
werden, seine Schwäche übersieht
und verdrängt? Beginnt das Drama Medeas
nicht dort, wo alle menschlichen Dramen beginnen?
In ihr selbst, in ihrer psychischen Struktur.
Und ist das Außen nicht nur der Spiegel dessen,
was der Mensch in sich trägt?
Wir werden zu dem, was wir sind …
[…]
Die Beziehung zwischen Mann und Frau ist
die vertrauteste und unheimlichste, die unbedingteste
und konfliktreichste – Urgrund unzähliger
Dramen, damals wie heute.
Es ist die Unfähigkeit dem anderen sein Anderssein
zu lassen. Weit ab von Einsicht,
Akzeptanz und friedlicher Koexistenz, wabert
der Kampf der Geschlechter, durchzogen vom
Trieb uns fortzupflanzen. Nicht ohne einander
und schlecht miteinander.“
Soweit Angelika Wende in ihren Medea-Texten, die den Bildwerken sprachlich-codierte Ausdrucksform verleihen. Bild und Text definieren sich gegenseitig, quasi als iterativer Prozess.
Ihr Mentor, der genannte Maler Christian Felder, stellt klar: „Das Werk Angelika Wendes konfrontiert den Betrachter mit einer ungeschönten aber auch zugleich unumstößlich notwendigen Bildwelt. Diese lockt durch ihre Intensität. Wir sehen Figuren. Einzelne, im Paar, im Drei-Mensch-Verhältnis. Gemalt in einem Stil, der sich von der Individualität des abgebildeten Subjekts entfernt und als Stilmittel die Reduktion der Form zu nutzen weiß.“
Und Christian Felder fährt an anderer Stelle fort, unter der Überschrift „Zurückgeworfen auf das Selbst“:
„Angelika Wende ist keine staatlich lizenzierte Künstlerin. Sie hat keinen Abschluss einer Kunsthochschule vorzuweisen. Doch sie hat etwas, das vielen ‚Meisterschülern‘ fehlt: Innere Notwendigkeit. Der Trieb die Ereignisse der Welt malerisch zu verarbeiten, ist tief in ihr verwurzelt.“
Man kann bei den Bildwerken von Angelika Wende von einer „Rauschhaften Empathie“ sprechen. Gerade so, wie wenn man bewusst oder unbewusst den Verstand ausblendet, um seinen Gefühlen freien Lauf zu lassen. Doch anders als beim Action Painting oder sonstigen Spontan-Kunstformen, lässt sie über das Gefühl (und Mitgefühl) dem Intellekt freien Lauf. Dies schafft eine Entrücktheit, wie man sie aus der Psychologie kennt: Das Ich drängt über den Rahmen, den Natur und Gesetz uns Menschen auferlegen, hinaus.
Das gemeinhin „Verrückt“ genannte im Wesen von Menschen, die wir als krank bezeichnen, wird ja zu einem „Entrückt“-Sein als Notwendigkeit, um sich der Wirklichkeit aus anderer Perspektive anzunähern.
Christian Felder beschreibt das exakt: „Diese Malerin folgt keinem Programm, sie folgt ihrer Intuition. Intuition als Maxime, das authentische Gefühl aus Erfahrung als Messlatte, die Notwendigkeit bildnerisch zu gestalten. Dies scheinen mir die drei Grundpfeiler ihres Schaffens zu sein. Und fordert uns als Betrachter auf: ‚Lassen wir die Bilder sprechen‘.“
Angelika Wende formuliert ihr Selbst wie folgt:
„Ich reiße die Form auf und reduziere die Figur.
Das Aufgerissene ist Symbol meiner eigenen Zerrissenheit.
Ich spachtle, ich kratze. Ich wische und verwische, ich zerstöre und baue auf.
Ich hinterlasse Narben auf der Leinwand.
Es ist ein immer wieder neues Zerstören des Bildes.
Es hat etwas Verletzendes und etwas Schöpfendes.
Ich mache das, solange bis auf der Leinwand eine fragile Schönheit
zum Vorschein kommt.
Es ist wie Stroh zu Gold spinnen.“
Meine Damen und Herren, Stroh zu Gold spinnen, das finde ich bemerkenswert, hier im „Eisen“-Turm.
Ich wünsche der Ausstellung und den Künstlerinnen den angemessenen Erfolg und die notwendige Aufmerksamkeit vieler Besucher. Das Prinzip „K3“ – Kunst Hoch Drei – lädt wie eingangs gesagt, zum Gipfelsturm ein. Also, dann los!
Eröffnungsrede von Andreas Weber am 14. Dezember 2013 im Kunstverein Eisenturm, Mainz
Premiere der besonderen Art: „Eisenturm wird zum Kunstraum!“
„Schwindende, du kennst die Türme nicht. Doch nun sollst du einen Turm gewahren mit dem wunderbaren Raum in dir. Verschließ dein Angesicht. Aufgerichtet hast du ihn ahnungslos mit Blick und Wink und Wendung. Plötzlich starrt er von Vollendung, und ich, Seliger, darf ihn beziehn. Ach wie bin ich eng darin. Schmeichle mir, zur Kuppel auszutreten: um in deine weichen Nächte hin mit dem Schwung schoßblendender Raketen mehr Gefühl zu schleudern, als ich bin.“
Aus: Sieben Gedichte, Gedicht Nummer 4, von Rainer Maria Rilke, verfasst zw. 14. Oktober und 9. November 1915, Ort unbekannt
Meine Damen und Herren, willkommen im Reich der Transformation. Der Eisenturm wird heute zum besonderen, anderen Ort. Vergessen wir für einen Moment, dass wir uns hier versammelt haben, um eine Kunstausstellung zu eröffnen. Lassen wir uns ein in den Dialog mit dem Leben, unserer Vergangenheit und Zukunft. Unserem eigenen Sein. Der Veränderung durch Kunst. Der Neugeburt in uns selbst.
Der Eisenturm ist nunmehr ein Kunstraum. Perfekt ausgestattet, mit Dingen, die es in dieser Kombination und Konstellation noch nie zuvor gab. Sorgsam, geradezu minutiös ausgerichtet. Man muss in kleinen Dingen exakt sein, damit es im „Großen Ganzen“ stimmt. — Meine Anregung: Verschließt den Eisenturm. Ändert nie mehr etwas.
Sucht Euch ab nun andere Räume für Wechselausstellungen.
„ES IST!“
Warum?
Weil – wie noch nie zuvor – sich zwei Künstlerseelen, die sich zuvor nicht kannten, hier vereinten und gemeinsam ihr kreatives Talent nutzten, um etwas KOSTBARES zu schaffen, dass stark und kraftvoll, aber auch zart und zerbrechlich zugleich ist. Und archaisch-modern unsere Vorstellungskraft neu auszurichten hilft. Handle with care – der Name ist Programm. Gehe sorgsam mit den Dingen, dem Sein, der Natur, den Gedanken und Gefühlen um. Fange an, Dich mit Dir selbst zu beschäftigen, indem Du Gedankenfetzen, Impulse, Beobachtungen, Assoziationen, Gefühle, Zweifel, Wut und Irritation unbeirrt und nie nachlassend visuell und haptisch für uns alle erfahrbar machst.
„Ist das ein Bild?“, fragte gestern Dr. Treznok, als er ein Werk von Christine Laprell zum ersten Mal sah. Seine Irritation provozierte eine wunderbare Debatte über Herz und Sinn der Ausstellung: Was nehmen wir wahr, weil wir es wahrnehmen wollen? Nicht wie ES IST, sondern wie wir es haben wollen. —— Ist eine Leinwand, die mit Farbe, Papierfetzen, Blättern, Schriftkritzeleien und anderem lückenhaft befüllt ist, tatsächlich ein Bild?
HA! Ein Bild ist ein Bild. Ein Bild muss kein Gemälde sein. Und eine Skulptur muss nicht aus Holz, Marmor oder Metall gegossen werden. Und ein narratives Gemälde als Erzählstück braucht schon gar keine Leinwand. Plastikfolie, also Kunststoff, zum Beispiel ist doch viel besser. Und liefert zudem Transparenz.
Kunst-Dinge, wie wir hier in unserem neuen Kunstraum Eisenturm sehen, können sprechen. Ohne etwas reden zu müssen. Non-verbale Kommunikation ist ungemein mitteilsam.
Die Bilder an der hohen Wand könnten zum Beispiel folgendes „sagen“:
„Mein Leben ? ! : ist kein Kontinuum! (nicht bloß Tag und Nacht in weiß und schwarze Stücke zerbrochen ! Denn auch am Tage ist bei mir der ein Anderer, der zur Bahn geht; im Amt sitzt; büchert; durch Haine stelzt; begattet; schwatzt; schreibt; Tausendsdenker; auseinanderfallender Fächer; der rennt; raucht; kotet; radiohört; ‘Herr Landrat’ sagt: that’s me!) ein Tablett voll glitzender snapshots.“
Arno Schmidt, Faun, 1953.
Oder die Plastikfolien-Bahnen unter der Empore unseres Kunstraums säuseln lyrisch-verwirrend:
„Dein Kopf ist ein Turm
mit strahlentanzenden Linsen.
Die geübte Hand weiss es oft viel besser
als der Kopf.
O Dichter!
Willst Du den Moder einer Gruft schildern
und gebricht es Dir dabei
an der so nötigen Inspiration,
kauf Dir einen Camembert,
und ab und zu daran riechend,
wirst Du können.
Gedicht von Paul Klee, 1906, Titel: Dein Kopf ist ein Turm
Hören Sie es es auch, das lyrische Säuseln meine Damen und Herren? Falls nicht, stelle ich fest, dass uns völlig unbewusst ist, was uns bewusst sein sollte oder könnte.
Die menschliche Wahrnehmung und Erinnerung läuft stark fragmentiert ab. Man nennt das auch das „musivische Dasein“. Wie erlange ich Zugang zur Sprache des Unbewussten? Wie kann ich sie aktiv gestalten?
Diese Fragen scheinen nunmehr beantwortet. Denn: Unser heute, zum 14. Dezember 2013, neu geschaffener und wunderbar inthronisierter Kunstraum der Mainzer Kunstverein-Eisenturm-Galerie, zeigt uns dies durch das Werk und Wirken der beiden Künstlerinnen Christine Laprell und Petra Jung.
Beide führen uns als Mainzer und Rheinhessen zurück an wichtige Eckpunkte unserer Geschichte, die unserer Wahrnehmung und unserer Erinnerung entrückt, also unbewusst geworden sind.
Wer war 1951 der Preisträger der im Jahr 1949 von Alfred Döblin gegründeten, noch heute erfolgreich aktiven Akademie? — Nun, ganz einfach ein Jahrhundert-Denker, Provokateur und Schriftsteller, der hier in unserem Kunstraum sogar noch posthum omnipräsent ist. Durch sein Schreiben, seine Text und die Wirkungsmechanismen, die seine verschriftlichte Sprachgewalt auslösen. Petra Jung trägt dies in sich, indem sie als naturkundige, reisebegeisterte und wache Beobachterin, Sammlerin organischer Materialien und Kunstschaffende verinnerlicht hat, worum es dem Preisträger von 1951 geht. Und Christine Laprell, in Deutsch und Kunst ausgebildet, macht dies zum täglichen Bestandteil ihrer Werke, indem sie dessen Texte und Sprachfetzen reflektiert und in ihrer ganz eigenen Art bildnerisch umsetzt.
Und, auf wen bezieht sich Christine Laprell? Wen meine ich?
Zugegeben, meine Damen und Herren, ich mag Sie ein wenig in die Irre geführt haben. Eingangs zitierte ich ungenannt Rainer Maria Rilke, Sieben Gedichte, Gedicht IV, aus dem Herbst 1915. „Dein Kopf im Turm”, stammt aus dem Jahr 1906 von Paul Klee. Aber, die Sequenz mit „Herr Landrat“, „That’s me”, „glitzender snapshots“ stammt vom IHM, aus dem Jahr 1953.
Ich selbst kam mit IHM als 12jähriger in Kaiserslautern in Kontakt. Bei einer Szenischen Uraufführung, die der Künstler Prof. Eberhard Schlotter mit meinem Vater Wilhelm Weber in der Pfalzgalerie am 13. Mai 1971 veranstaltete. Bilder von Schlotter und Texte von Schlotters Freund Arno Schmidt. Schlotter hatte Mitte der 1950er Jahre Arno Schmidt vor den Attacken der katholischen Moselmanen gerettet, indem er ihn von Kastell im Saar-Mosel-Gebiet ins evangelische Darmstadt rettete. Arno Schmidt war durch seine sprachlich freizügigen Seelandschaft mit Pocahontas wegen Gotteslästerung und Verbreitung unzüchtiger Schriften angeklagt worden. Das Verfahren wurde im liberalen Darmstadt eingestellt. — Warum erzähle ich das, hier und heute?
Arno Schmidt steht für eine Symbiose aus traditionellem Erzählen (vorwiegend aus einer dominanten Ich-Perspektive) und avantgardistischer Schreibtechnik. Er hat sich mit schwierigen Themen auseinandergesetzt. Rebellierte gegen die Adenauer-Zeit. Setzte sich intensiv mit der Psychoanalyse von Freud auseinander, die er auf die Literatur übertrug. Es ging ihm um den Vorgang:, das sich das Unbewusste nicht nur in Bildsymbolik ausdrückt, sondern auch sprachlich in einem „eigenen Schalks=Esperanto“ aus Amphibolien, Wortspielen, Assonanzen, usw., um neben der manifesten Bedeutungsebene gleichzeitig auch – meist sexuelle – Nebenbedeutungen auszudrücken.
Christine Laprell wendet nunmehr das Prinzip der Umkehrung an: Sie verwandelt sprachlich-schriftliches wiederum in Bildsymbole und Bildaussagen. So vielfältig die Text- und Sprachassoziationen sind, so vielfältig ist ihre bildnerische Ausdrucksweise. Es entsteht ein interaktiver Prozess von fulminanter Bedeutung. Und in dieser Interaktionslust und -befähigung fühlen sich Christine Laprell und Petra Jung im Herzen und im Geist aufs engste verbunden.
Aber Fragen wir doch die beiden Künstlerinnen direkt; damit, meine Damen und Herren, steigen wir in einen kurzen Dialog mit den Künstlerinnen ein, damit ich hier nicht vor Begeisterung im Kunstraum-Rausch zum Dauerredner und Alleinunterhalter mutiere.
Meine erste Frage:
Was verbindet Euch? Bzw. vielleicht kann Christine Laprell kurz schildern, was sie am Werk von Petra Jung fasziniert? Und umgekehrt?
Meine weiteren Fragen:
Wie kam Christine Laprell zur Literatur, vorzugsweise Arno Schmidt?
Wie kam Petra Jung zum variantenreichen Umgang mit ausgefallenen organischen Materialien, die als Objekte erscheinen und von grafischen Arbeiten begleitet werden?
Und last but not least:
Was macht dieses Ausstellungserlebnis so einzigartig?
